曹郁的影像风格以“诗意的写实主义”著称，他通过光影的巧妙运用，创造出独特的银幕体验，将现实的质感与诗意的美感完美交织。在他的镜头下，观众得以进入一个细腻而深沉的情感世界，这个世界既扎根于真实，又散发出梦幻般的诗意氛围。他善于运用光影、色彩与构图的精妙语言，赋予影像强大的叙事力量与情感深度，勾勒出属于他的“光影世界”。这种光影的艺术表达，既是他作品的标志，也是他创作探索的不懈追求。
12月8日下午，郑照君主持第六届海南岛国际电影节大师班，曹郁以“我的光影世界”为主题，与观众分享了他的创作历程，以及隐藏在“光影世界”背后的艺术哲学与实践经验，带领大家一同探寻他在光影之路上的心灵轨迹。
“电影就是一个梦的艺术”，曹郁开场便提到他对电影的理解。他认为“没有所谓真实的电影”，即使是纪录片也需要经过选择和剪辑，电影的魅力在于它能够捕捉并再现那些超越现实的瞬间。“我希望观众看到从头到尾就是一个梦，整个就是一个梦。”他的这些观念深刻地影响着他的创作方法，在逐渐形成其独特的“诗意的写实主义”影像风格。
选择“我的光影世界”作为主题，一方面源于他对“电影：梦的艺术”的理解，另一方面也因为光影在他的电影创作生涯中有着重要地位，每部电影都像是他生命中的一个章节，在光影世界里带给他新的感悟和成长。
“年轻的时候就是要大胆去做各种尝试”，曹郁回忆起自己对摄影的热爱始于初中时期，当时观看《末代皇帝》后，他被电影中的视觉效果深深震撼。他分享了自己早期的作品，一段在高中时期用摄像机拍摄的短片，内容简单，只是一些云和太阳的画面，却展现了一个少年对世界的好奇和渴望表达。
曹郁的职业生涯起步于与先锋戏剧导演孟京辉的合作，拍摄《像鸡毛一样飞》。他回忆说：“那是我第一次跟一个有名的导演合作觉得挺紧张的。”尽管缺乏经验，他依然勇敢地将所有新奇的电影手法融入作品中。
“自然给了你生活的答案”，这是曹郁在拍摄《可可西里》时的深刻感悟。拍摄过程充满艰辛，他面对恶劣的自然环境，包括高原反应、没电以及有限的设备，让他陷入了创作困境，长时间无法找到解决方案。经过深思熟虑，曹郁意识到需要放下自我设计，向大自然学习。他顺着大自然的感觉拍摄，根据不同时间和气候选择拍摄时机，以自然光影赋予画面表意性，从而营造出与剧作相契合的氛围。
与《可可西里》中自然环境为关键角色不同，《南京！南京！》里“人性的风景最重要”。为突出这一点，曹郁考虑用黑白胶片拍摄，因为黑白具有“提纯感”，能让观众将注意力集中在演员的“眼睛”和“脸”上，“这是一部关于脸的电影，而不是关于一个环境的电影”。
曹郁直言《八佰》是他拍摄过“最复杂的一个电影”，其战斗题材与《南京！南京！》相似且为超级大制作，给他带来了巨大的创作难度。在创作思路上，他认为影片核心在于“光明与黑暗的对比”，正如他在摄影阐述中引用的“最黑的夜里有最亮的光”，这一理念贯穿全片，尤其在夜晚场景中体现得淋漓尽致，生死的较量通过光影的反差得以凸显。
在《八佰》之后，曹郁迎来风格截然不同的《脐带》。因原摄影师中途离开，曹郁临危受命接过拍摄重任。对比极为鲜明，从《八佰》的两千台灯到《脐带》仅有的十二台，骤减的配置让习惯大场面的他“很不适应”。
在互动环节，曹郁与观众积极互动，解答了多个电影创作相关问题。对于青年导演创作中设备资金有限的问题，他建议“对于非影院放映的学生毕业作品，摄影机选择较灵活，关键是踏实拍摄，要尽可能找到好的合作者，因为‘人永远比机器重要’，这对实现个人风格最大化至关重要。”
有观众问到在创作过程中如何平衡艺术追求和商业考量，曹郁回答：“其实在我看来，好的艺术和商业并不冲突。就像我参与的一些影片，虽然要考虑商业因素，但我始终坚持在视觉呈现上要有独特性和艺术性。只有拍出有品质、有深度的画面，才能吸引观众走进影院，从长远来看这也是一种商业成功的保障。”
曹郁从他个人的具体创作实践出发，深入到生命历程的感悟，在本次大师班上充分展现其“诗意的写实主义”影像风格，为电影从业者和爱好者提供了宝贵的经验与启示，也为电影艺术的发展注入了新的活力与思考。期待未来电影创作者们能在借鉴这些经验的基础上，不断创新，为观众带来更多精彩作品。
